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두산갤러리 전시기획공모 선정작: "사적인 노래 Ⅰ"
A Selection of Curatorial Open Call, "Private Song Ⅰ"
- 작가
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장소
두산갤러리
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주소
서울 종로구 종로33길 15 (연지동)
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기간
2020-07-22 ~ 2020-08-19
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시간
10:30 ~ 20:00 (휴관일 : 월요일)
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연락처
02-708-5050
- 홈페이지
- 초대일시
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관람료
무료관람
두산갤러리 서울에서는 2020 전시기획 공모로 선정된 기획자 목홍균의 《사적(私的)인 노래Ⅰ》을 2020년 7월 22일부터 8월 19일까지 개최한다. 두산갤러리는 2011년부터 두산 큐레이터 워크샵 프로그램을 통해 매년 세 명의 신진 큐레이터를 지원해 왔으며, 2018년부터는 격년으로 한 명의 기획자를 공모 선정하여 국내 기획자의 보다 깊이 있고 다양한 생각을 실현할 수 있는 장을 마련하고자 한다.
《사적인 노래 Ⅰ》은 2017년 카셀 도큐멘타와 베니스비엔날레를 통해 불거진 스캔들이 기획의 배경이 되었다. 두 총감독이 각각 자신의 배우자와 연인을 전시에 작가로 초대하였고, 이를 어떻게 바라봐야 하는가에 대한 논란이 있었다. 그리고 목홍균은 이 스캔들을 계기로 작가와 기획자의 사적(私的)인 관계가 전시에 개입하지 않는 방식을 고민하게 되었다고 말한다.
이번 전시는 기획자가 작가를 선정하는 과정과 방식에 주목한다. 전시에 참여하는 8명의 작가와 5명의 협력 기획자는 목홍균이 선정 과정에서 자신의 자의적인 개입을 최대한 차단한 채로 선정한 것이다. 첫 번째로 알고리즘의 딥러닝을 활용한 큐라트론(curatroneq.com) 프로그램을 통해서 3명의 작가를 선정하였고, 두 번째는 첫 번째와 동일한 방식으로 작가가 아닌 2명의 협력 기획자를 선정하였다. 세 번째는 두산갤러리 홈페이지와 SNS를 통해 블라인드 공모를 진행하여 3명의 협력 기획자를 추가 선정하였다. 선정된 5명의 협력 기획자는 각각 작가 리서치를 진행한 이후, 자신의 리서치 데이터가 아닌 상대방의 데이터에서 5명의 작가를 최종 선정하였다.
이번 전시의 작가 선정 방식을 통해 단순히 알고리즘의 역할이 전시 기획자의 역할을 대체한 것으로 볼 수도 있을 것이다. 그러나 작가 선정에 개입하지 않으려는 노력은 결과적으로 선정 과정의 개방성과 투명성을 드러내게 되었고, 작가 선정을 둘러싼 고민이 어떻게 프로젝트 전반에 작용했는지 우리에게 가시적으로 보여주고 있다.
한편 전시가 진행되는 동안 사운드 클라우드와 유튜브 채널을 통해 참여 작가와 협력 기획자가 서로 어떤 과정을 나누고 연구를 진행했는지 그 과정이 공개될 예정이다.
전시기획:
목홍균(두산갤러리 전시기획공모 선정 기획자)
참여 작가 Participating artists
전시기획:
목홍균(두산갤러리 전시기획공모 선정 기획자)
참여 작가 Participating artists
발레리안 골렉, 아나 윌드, 알렉시아 라페르테 쿠투, 에드아르도 레옹, 유비호, 장진승, 정재희, 제임스 클락슨
Valerian Goalec, Ana Wild, Alexia Laferte Coutu, Eduardo Leon (avoidstreet), RYU Biho, Jinseung Jang, Jaehee Jung, James Clarkson
협력 기획자 Co-curators
김진경, 소니아 카조프스키, 애론 맥래플린, 임서진, 장가영
Jinkyung Kim, Sonia Kazovsky, Aaron McLaughlin, Seojin Yim, Gayoung Jang
참여 연구자 Participating researchers
김주옥, 마니크 헨드릭스, 소피아 두론, 카메론 맥레오, 황수경
Joo-ok Kim, Manique Hendricks, Sofia Dourron, Cameron MacLeod, Sukyung Hwang
□ 기획자 소개
목홍균 (2020 두산갤러리 전시기획공모 선정 기획자)
독립큐레이터로 활동하고 있다. 학부에서는 통계학을 대학원에서는 동아시아사상을 공부했다. 전시 《더 매뉴얼; 부분과 노동》 (문화공장오산, 2014), 《홈리스의 도시》 (아르코미술관, 2016)를 기획했고, 2018년부터 기술이 어떻게 큐레이터의 실천적 도구로서 전시전반에 관여할 수 있는지 연구하는 모임 알앤디(r and d) 멤버로 활동하고 있다. 도쿄 아트앤스페이스의 연구자 레지던시, 암스테르담 드아펠 큐레토리얼 펠로우쉽 과정에 참여했다.
□ 참여작가 소개
발레리안 골렉
브뤼셀을 기반으로 활동하는 작가다. 골렉의 작업은 기존의 형태를 빌려오고, 변경하며 더 나아가게 한다. 그의 작업에서 각 요소는 각각 그 자체로 또는 전체로도 이해할 수 있는, 서로 교환 가능한 일관되고 견고한 사물들의 집합이다. 이러한 골렉의 추상 조각은 건축과 일상 생활, 변조, 연속적 변형, 측정, 보고 단위의 요소로부터 시작한다. 그의 작업에서 형태는 문맥으로부터 추출되어 전유되고 증식되면서 새로운 합리적 형태를 획득한다. 골렉은 쿤스탈 샤를로텐보르(코펜하겐), DASH(코르트레이크), 레비 델발(브뤼셀), 살롱 몽루주(프랑스), 221A(밴쿠버) 등 기관과 함께 작업과 전시를 했으며, 앙가르(리스본), 알데아(베르겐), CCA 안드라츠 (팔마)에서 레지던시에 참여했다. 현재 파리국제예술공동체(파리)의 레지던시에서 활동 중이다.
발레리안 골렉, <모듈>, 2020, 금속선반, 가변크기
아나 윌드
퍼포먼스와 설치 작업을 하는 작가로, 네덜란드 암스테르담 DasArts와 이스라엘 예루살렘 시각연극학교를 졸업했다. 윌드의 작업 과정은 연구의 형태를 취한다. 그는 지식의 물질성과 이해의 유연성에 관심을 가지고, 자신이 연구하고 관찰하는 역할에 스스로를 캐스팅하여 신화 속의 어린 소녀가 되기도 하고 무단출입자, 우아한 펑크족, 중동의 사상가나 낭만적인 학자가 되기도 한다. 윌드는 작업을 통해 지식의 공유가 시적인 행위이자 전복적인 행동이 되는 상황을 만든다. 그의 최신 퍼포먼스 작품 <세계, 가나안 미래주의 연작 가곡 Worlds, a Canaan Song Cycle >은 하지라 공연예술장(예루살렘)과 라르세닉(로잔)에서 제작했다. 윌드는 2019년 스위스 PREMIO 상 후보에 올랐으며, 2018~19년에는 독일 슈투트가르트 슐로스 솔리투트의 연구원이었다. 현재 텔아비브에 거주하며 작업 중이다.
아나 윌드, <테크노 출산-미래 가능한 선물(先物)의 노래>, 2019, 단채널비디오, 15분 13초
알렉시아 라페르테 쿠투
몬트리올을 기반으로 활동하는 작가다. 쿠투의 작업에는 전이와 소생의 개념이 깃들어 있다. 그는 젖은 점토 반죽을 역사적 건물과 기념비에 압착해 붙여 조각을 만든다. 이러한 조각은 원 재료의 기록이 되어 원 재료가 가지고 있던 의도와 잔존의 양상을 회복하고 변화시킨다. 선택한 구조의 촉각적 특징을 강화함으로써 역사와 그 물질성에 대한 감각적이고 직관적인 연결을 관객 안에서 일깨우고자 한다. 쿠투는 콩코르디아 대학교, 바이마르 바우하우스 대학교, 몬트리올 퀘벡 대학교(UQAM)에서 공부했다. 그의 작업은 캐나다, 영국, 독일에서 전시되었고, 2018년에는 몬트리올 퀘백 대학교에서 시각 예술 부문 장마르크 유스타체 장학금을 수여했다.
알렉시아 라페르테 쿠투, <생 제임스 공원의 분수: 관(管)>, 2020, 석고, 유리섬유, 140(지름)x17(높이)cm
에드아르도 레옹
암스테르담을 기반으로 하는 작가이자 그래픽 디자이너이며 어보이드스트리트의 창시자다. 어보이드스트리트는 버려진 옷가지를 이용해 패션의 메커니즘을 탐색하며, 협업, 전유, 샘플링, 캡션의 전략을 통해 의류를 둘러싼 문화를 살피고 조성하고자 한다. 어보이드스트리트는 패스트패션의 전략을 미러링하고 패션의 어휘를 비트는 한편, 장소특정적 개입을 위한 한정 에디션 의류를 생산함으로써 패스트패션에 대한 해결책을 제시한다.
에드아르도 레옹, <라스 포사스의 헤로인>, 2019, 종이에 잉크젯, 237×170cm
유비호
2000년 첫 개인전 《강철태양》 이후 동시대 예술가, 기획자, 미디어 연구자들과 함께 ‘예술과 사회 그리고 미디어 연구모임’인 ‘해킹을 통한 미술행위(2001)’, ‘Parasite-Tactical Media Networks(2004-2006)’ 등을 공동 조직하고 연구활동을 해왔다. 이 시기를 거치면서 예술과 사회에 대한 미적 질문을 던지는 <유연한 풍경>(2008, 2009), <극사적 실천>(2010), <공조탈출>(2010), <트윈픽스>(2011)등을 발표하였다. 그 외 단체전 《4.3미술제》(제주도립미술관, 2017), 《다중시간》(백남준아트센터, 2016), 《광주비엔날레 20주년 특별전》(5.18민주광장, 2014), 《미래는 지금이다》(국립현대미술관, 2013), 《악동들 지금/여기》(경기도미술관, 2009) 등에 참여하였다. 2013년 ‘성곡 내일의 작가상’ 수상기념으로, 2015년 성곡미술관에 초대되어, 개인전 《해 질 녘 나의 하늘에는》(2015)을 치렀었고, 최근 '쿤스틀러하우스 베타니엔 아티스트 레지던시(베를린, 2017)'와 '빌바오아르테 아티스트 레지던시(빌바오, 2018)' 그리고 '글렌피딕 아티스트 인 레지던스(더프타운, 스코틀랜드)'에 참가하였다.
유비호, <풍경의 된 자 #4>, 2019, 단채널비디오, 24분 13초
장진승
영국 골드스미스에서 디자인을 전공했다. 그는 사회적 편견과 차별, 그리고 이로부터 야기된 서로 간의 오해 혹은 상호 이해의 가능성에 관심을 두고 작업한다. 다양한 연유로 발생하는 인간 사이의 편견을 잠재의식 속에 내재한 왜곡된 인식과 인지의 문제라고 여기며, 이를 기술과 예술의 맥락에서 해소 또는 해결하고자 한다. 이를 위해 미디어적 실험과 인터랙션 그리고 아카이브에 집중하며, ‘기계처럼 (객관적으로) 생각하기’의 방식을 통해 사고하거나 감각하는 단계로의 진입을 다양하게 시도한다. 장진승은 <육종학적 다층 문화 지형도>, <개인의 역사>, < Facing Face >, < Virtual Visual >등 그래픽 디자인 작업에 참여했고, 2017년 골드스미스에서 《Hyphen》, 인터랙션 서울에서 《Behind a Mask: 양가적 데이터 수집과 활용의 공조 가능성》 전시를 열었다. 현재는 현대자동차가 운영하는 오픈이노베이션 플랫폼 ZER01NE에서 크리에이터로 활동하고 있다.
장진승, <(미스)언더스투드>, 2017, 삼각모드, 스틸이미지, 싱글채널비디오, 15분 55초
정재희
다양한 사물 중 전자제품을 주재료로 삼아 창작활동을 하고 있다. 그에게 전자제품은 일상에서 손쉽게 접근할 수 있는 가용기술이자 우리가 살아가는 환경이나 구조를 반영하는 중요한 사물이다. 그는 이런 전자제품의 형태와 질감, 물리적 기능, 탑재한 서비스와 콘텐츠를 기존의 효용성이 아닌 다른 관점으로 해석해서 작업화한다. 정재희는 《이상한 계절》(경기도미술관, 2019), 《Smart New World》 (더레퍼런스, 2018), 《Unsmart Objects》(아웃사이트, 2017)를 포함해 총 5회의 개인전을 가졌고, 《미디어의 장》(서울대학교미술관, 2019》, 《Lab.30 - Klang Kunst Experimente》(Kulturhaus Abraxas, 2016), 《신진조각가전》(김종영미술관, 2008) 등 다수의 단체전에 참가했다. 또한, 경기창작센터(경기문화재단, 2019)와 K’ARTS 창작스튜디오(한국예술종합학교, 2017) 레지던시 프로그램에 참여했다.
정재희, <홈보이드>, 2018, 스마트 텐트, 스마트 폰, 태블릿 컴퓨터, 다육식물 외, 150x255x345cm
제임스 클락슨
영국 쉐필드를 기반으로 활동하는 작가다. 일상 사물, 문화, 기술 사이의 관계를 이해하는 데에 관심을 갖고 작업하고 있다. 그 기반에는 물질성에 대한 페티시적 관심이 있다. 그의 조각은 때로 난도질 되고, 날것이며, 용도 변경된 사물들의 브리콜라주로서 존재하기도 하고, 때로는 반짝거리고, 매끄러우며, 윤기가 나는 복제품이기도 하다. 이와 같은 재구성과 복제의 이중성을 통해 그의 작업은 유희적 접근으로 사물들의 사변적인 상호연결성을 풀어낸다. 클락슨의 조각은 유령같은 몸체로 나타나 우리의 현재 위치를 반영한다. 주요 전시로는 《코번트리 비엔날레》 (코번트리, 2019), 《발가벗겨진 컬렉션》, 《더 라브벨 컬렉션》 (프랑스, 2016), 《부드러운 흐름》 (더 테틀리, 리즈, 2014) 등이 있다. 또한 하룬 미르자, 디테 간트리스 등의 작가와 함께 하는 협업 프로젝트에 다수 참여한 한편, 쉐필드 사이트 갤러리와 2020 요크셔 국제 조각전 ‘조각 네트워크(Sculpture Network)’가 진행하는 프리랜드 아티스트 프로그램에 선정되기도 했다.
제임스 클락슨, <드롭박스>, 2020, 레이저 커팅된 강철
DOOSAN Gallery Seoul presents Private Song I, an exhibition organized by Honggyun Mok the winner of Curatorial Open Call, from July 22nd to August 19th, 2020. DOOSAN Gallery has supported three new curators every year through DOOSAN Curator Workshop Program since 2011. In order to expand the support for curators, DOOSAN Gallery has been selecting one curator through a biennial open call to offer a site through which they can implement their ideas in deeper and more diverse ways since 2018.
Private Song I was inspired by the scandalous incidents that took place in Venice Biennale and Documenta 14 in 2017, where two artistic directors in each of the events included their partners in the programs and exhibitions. Their actions caused quite a stir in the public as to how their deeds should be read, and Mok began to contemplate on the ways of refraining from personal relationships of the curator intervening in the exhibition.
This exhibition focuses on the process and method involved in the curator selecting the artists. Mok selected the 8 artists and 5 co-curators for this exhibition while eliminating her own intervention in the selection process as much as possible. First, 3 artists were selected through Curatron(curatroneq.com) program utilizing the algorithm’s deep learning, and second, the 2 co-curators were selected in the same manner as the artists. Third, additional 3 co-curators were selected through a blind open call held through DOOSAN gallery’s website and SNS. The 5 selected co-curators conducted their own research of the artists and shared their data, through which the other 5 artists were selected.
The method of artist selection in this exhibition may seem to just simply illustrate how the function of algorithm has replaced the role of the curator in an exhibition. However, Mok’s efforts to refrain from intervening in the selection process of artists ultimately directed at an element of radical transparency and openness in the screening process, and visually demonstrated how the issues surrounding the artist selection process affected the overall project.
Meanwhile, the processes and researches that were conducted and shared among the participating artists, co-curators and researchers will be on view through Sound Cloud and YouTube channel throughout the exhibition period.
□ 기획자 소개
목홍균 (2020 두산갤러리 전시기획공모 선정 기획자)
독립큐레이터로 활동하고 있다. 학부에서는 통계학을 대학원에서는 동아시아사상을 공부했다. 전시 《더 매뉴얼; 부분과 노동》 (문화공장오산, 2014), 《홈리스의 도시》 (아르코미술관, 2016)를 기획했고, 2018년부터 기술이 어떻게 큐레이터의 실천적 도구로서 전시전반에 관여할 수 있는지 연구하는 모임 알앤디(r and d) 멤버로 활동하고 있다. 도쿄 아트앤스페이스의 연구자 레지던시, 암스테르담 드아펠 큐레토리얼 펠로우쉽 과정에 참여했다.
□ 참여작가 소개
발레리안 골렉
브뤼셀을 기반으로 활동하는 작가다. 골렉의 작업은 기존의 형태를 빌려오고, 변경하며 더 나아가게 한다. 그의 작업에서 각 요소는 각각 그 자체로 또는 전체로도 이해할 수 있는, 서로 교환 가능한 일관되고 견고한 사물들의 집합이다. 이러한 골렉의 추상 조각은 건축과 일상 생활, 변조, 연속적 변형, 측정, 보고 단위의 요소로부터 시작한다. 그의 작업에서 형태는 문맥으로부터 추출되어 전유되고 증식되면서 새로운 합리적 형태를 획득한다. 골렉은 쿤스탈 샤를로텐보르(코펜하겐), DASH(코르트레이크), 레비 델발(브뤼셀), 살롱 몽루주(프랑스), 221A(밴쿠버) 등 기관과 함께 작업과 전시를 했으며, 앙가르(리스본), 알데아(베르겐), CCA 안드라츠 (팔마)에서 레지던시에 참여했다. 현재 파리국제예술공동체(파리)의 레지던시에서 활동 중이다.
발레리안 골렉, <모듈>, 2020, 금속선반, 가변크기
아나 윌드
퍼포먼스와 설치 작업을 하는 작가로, 네덜란드 암스테르담 DasArts와 이스라엘 예루살렘 시각연극학교를 졸업했다. 윌드의 작업 과정은 연구의 형태를 취한다. 그는 지식의 물질성과 이해의 유연성에 관심을 가지고, 자신이 연구하고 관찰하는 역할에 스스로를 캐스팅하여 신화 속의 어린 소녀가 되기도 하고 무단출입자, 우아한 펑크족, 중동의 사상가나 낭만적인 학자가 되기도 한다. 윌드는 작업을 통해 지식의 공유가 시적인 행위이자 전복적인 행동이 되는 상황을 만든다. 그의 최신 퍼포먼스 작품 <세계, 가나안 미래주의 연작 가곡 Worlds, a Canaan Song Cycle >은 하지라 공연예술장(예루살렘)과 라르세닉(로잔)에서 제작했다. 윌드는 2019년 스위스 PREMIO 상 후보에 올랐으며, 2018~19년에는 독일 슈투트가르트 슐로스 솔리투트의 연구원이었다. 현재 텔아비브에 거주하며 작업 중이다.
아나 윌드, <테크노 출산-미래 가능한 선물(先物)의 노래>, 2019, 단채널비디오, 15분 13초
알렉시아 라페르테 쿠투
몬트리올을 기반으로 활동하는 작가다. 쿠투의 작업에는 전이와 소생의 개념이 깃들어 있다. 그는 젖은 점토 반죽을 역사적 건물과 기념비에 압착해 붙여 조각을 만든다. 이러한 조각은 원 재료의 기록이 되어 원 재료가 가지고 있던 의도와 잔존의 양상을 회복하고 변화시킨다. 선택한 구조의 촉각적 특징을 강화함으로써 역사와 그 물질성에 대한 감각적이고 직관적인 연결을 관객 안에서 일깨우고자 한다. 쿠투는 콩코르디아 대학교, 바이마르 바우하우스 대학교, 몬트리올 퀘벡 대학교(UQAM)에서 공부했다. 그의 작업은 캐나다, 영국, 독일에서 전시되었고, 2018년에는 몬트리올 퀘백 대학교에서 시각 예술 부문 장마르크 유스타체 장학금을 수여했다.
알렉시아 라페르테 쿠투, <생 제임스 공원의 분수: 관(管)>, 2020, 석고, 유리섬유, 140(지름)x17(높이)cm
에드아르도 레옹
암스테르담을 기반으로 하는 작가이자 그래픽 디자이너이며 어보이드스트리트의 창시자다. 어보이드스트리트는 버려진 옷가지를 이용해 패션의 메커니즘을 탐색하며, 협업, 전유, 샘플링, 캡션의 전략을 통해 의류를 둘러싼 문화를 살피고 조성하고자 한다. 어보이드스트리트는 패스트패션의 전략을 미러링하고 패션의 어휘를 비트는 한편, 장소특정적 개입을 위한 한정 에디션 의류를 생산함으로써 패스트패션에 대한 해결책을 제시한다.
에드아르도 레옹, <라스 포사스의 헤로인>, 2019, 종이에 잉크젯, 237×170cm
유비호
2000년 첫 개인전 《강철태양》 이후 동시대 예술가, 기획자, 미디어 연구자들과 함께 ‘예술과 사회 그리고 미디어 연구모임’인 ‘해킹을 통한 미술행위(2001)’, ‘Parasite-Tactical Media Networks(2004-2006)’ 등을 공동 조직하고 연구활동을 해왔다. 이 시기를 거치면서 예술과 사회에 대한 미적 질문을 던지는 <유연한 풍경>(2008, 2009), <극사적 실천>(2010), <공조탈출>(2010), <트윈픽스>(2011)등을 발표하였다. 그 외 단체전 《4.3미술제》(제주도립미술관, 2017), 《다중시간》(백남준아트센터, 2016), 《광주비엔날레 20주년 특별전》(5.18민주광장, 2014), 《미래는 지금이다》(국립현대미술관, 2013), 《악동들 지금/여기》(경기도미술관, 2009) 등에 참여하였다. 2013년 ‘성곡 내일의 작가상’ 수상기념으로, 2015년 성곡미술관에 초대되어, 개인전 《해 질 녘 나의 하늘에는》(2015)을 치렀었고, 최근 '쿤스틀러하우스 베타니엔 아티스트 레지던시(베를린, 2017)'와 '빌바오아르테 아티스트 레지던시(빌바오, 2018)' 그리고 '글렌피딕 아티스트 인 레지던스(더프타운, 스코틀랜드)'에 참가하였다.
유비호, <풍경의 된 자 #4>, 2019, 단채널비디오, 24분 13초
장진승
영국 골드스미스에서 디자인을 전공했다. 그는 사회적 편견과 차별, 그리고 이로부터 야기된 서로 간의 오해 혹은 상호 이해의 가능성에 관심을 두고 작업한다. 다양한 연유로 발생하는 인간 사이의 편견을 잠재의식 속에 내재한 왜곡된 인식과 인지의 문제라고 여기며, 이를 기술과 예술의 맥락에서 해소 또는 해결하고자 한다. 이를 위해 미디어적 실험과 인터랙션 그리고 아카이브에 집중하며, ‘기계처럼 (객관적으로) 생각하기’의 방식을 통해 사고하거나 감각하는 단계로의 진입을 다양하게 시도한다. 장진승은 <육종학적 다층 문화 지형도>, <개인의 역사>, < Facing Face >, < Virtual Visual >등 그래픽 디자인 작업에 참여했고, 2017년 골드스미스에서 《Hyphen》, 인터랙션 서울에서 《Behind a Mask: 양가적 데이터 수집과 활용의 공조 가능성》 전시를 열었다. 현재는 현대자동차가 운영하는 오픈이노베이션 플랫폼 ZER01NE에서 크리에이터로 활동하고 있다.
장진승, <(미스)언더스투드>, 2017, 삼각모드, 스틸이미지, 싱글채널비디오, 15분 55초
정재희
다양한 사물 중 전자제품을 주재료로 삼아 창작활동을 하고 있다. 그에게 전자제품은 일상에서 손쉽게 접근할 수 있는 가용기술이자 우리가 살아가는 환경이나 구조를 반영하는 중요한 사물이다. 그는 이런 전자제품의 형태와 질감, 물리적 기능, 탑재한 서비스와 콘텐츠를 기존의 효용성이 아닌 다른 관점으로 해석해서 작업화한다. 정재희는 《이상한 계절》(경기도미술관, 2019), 《Smart New World》 (더레퍼런스, 2018), 《Unsmart Objects》(아웃사이트, 2017)를 포함해 총 5회의 개인전을 가졌고, 《미디어의 장》(서울대학교미술관, 2019》, 《Lab.30 - Klang Kunst Experimente》(Kulturhaus Abraxas, 2016), 《신진조각가전》(김종영미술관, 2008) 등 다수의 단체전에 참가했다. 또한, 경기창작센터(경기문화재단, 2019)와 K’ARTS 창작스튜디오(한국예술종합학교, 2017) 레지던시 프로그램에 참여했다.
정재희, <홈보이드>, 2018, 스마트 텐트, 스마트 폰, 태블릿 컴퓨터, 다육식물 외, 150x255x345cm
제임스 클락슨
영국 쉐필드를 기반으로 활동하는 작가다. 일상 사물, 문화, 기술 사이의 관계를 이해하는 데에 관심을 갖고 작업하고 있다. 그 기반에는 물질성에 대한 페티시적 관심이 있다. 그의 조각은 때로 난도질 되고, 날것이며, 용도 변경된 사물들의 브리콜라주로서 존재하기도 하고, 때로는 반짝거리고, 매끄러우며, 윤기가 나는 복제품이기도 하다. 이와 같은 재구성과 복제의 이중성을 통해 그의 작업은 유희적 접근으로 사물들의 사변적인 상호연결성을 풀어낸다. 클락슨의 조각은 유령같은 몸체로 나타나 우리의 현재 위치를 반영한다. 주요 전시로는 《코번트리 비엔날레》 (코번트리, 2019), 《발가벗겨진 컬렉션》, 《더 라브벨 컬렉션》 (프랑스, 2016), 《부드러운 흐름》 (더 테틀리, 리즈, 2014) 등이 있다. 또한 하룬 미르자, 디테 간트리스 등의 작가와 함께 하는 협업 프로젝트에 다수 참여한 한편, 쉐필드 사이트 갤러리와 2020 요크셔 국제 조각전 ‘조각 네트워크(Sculpture Network)’가 진행하는 프리랜드 아티스트 프로그램에 선정되기도 했다.
제임스 클락슨, <드롭박스>, 2020, 레이저 커팅된 강철
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